ago 12 2009

Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.

Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los 1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuales son y en que momento aparecerán en este post.

La lista de los 1001 álbumes

Por mi parte continuo con este proyecto con el compromiso de colocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hasta que la lista este completa. Todos estos álbumes, como viene siendo costumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire, sin limitaciones para descargar.

Seguimos con la lista... .

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251. Lou Reed – Transformer (1972)

Si Lou Reed simplemente hubiese firmado este soberbio disco (dejando al margen sus influyentes grabaciones con la Velvet Underground) ya ocuparía un lugar de honor en la historia del rock. Se trata de un álbum con parte de las constantes temáticas del compositor neoyorquino (travestis, prostitutas, homosexuales, drogadictos, extraños personajes...) que grabó en asociación con David Bowie y Mick Ronson.
La perspectiva urbano-sexual, tan cínica como melancólica, ambigua o provocadora, de la escritura de Reed, se ve enriquecida con la teatralidad glam-rock de Bowie/Ronson para ofertar joyas como “Vicious”, “Perfect Day”, “Make Up”, “Satellite Of Love”, “New York Telephone Conversation” y el gigante clásico (utilizado no en pocas ocasiones en anuncios televisivos) “Walk On The Wild Side”. canción que fue un éxito inmediato y se ha convertido en la canción más popular de Lou Reed.
Si la producción conjunta de los dos citados es excelente, hay que expresar una especial mención para Mick Ronson (ya que muchas veces sólo se menciona a Bowie), quien además de producir, arregla las cuerdas y el bajo, toca la guitarra y el piano, convirtiéndose en pieza esencial para la consecución del heterogéneo sonido.
Klaus Voorman y Herbie Flowers (que introduce una magnífica tuba, además del bajo) son otros imprescindibles componentes para lograr una perfecta interactuación entre grandes músicos que consuman un trabajo magistral lleno de ingenio, ironía y ecléctico muestrario sonoro, que va tanto del glam-rock o el pop pasando por el hard-rock o el jazz con aromas cabareteros.
“Transformer” es, sin duda, un disco especial y distinto. Imperfecto e irrepetible, nos muestra un lado de Lou Reed que no volveríamos a ver jamás. Y la verdad es que, a veces, se echa de menos.

1. Vicious
2. Andy´s chest
3. Perfect Day
4. Hangin´g round
5. Walk on the wild side
6. Make up
7. Satellite of love
8. Wagon wheel
9. New York telephone conversation
10. I´m so free
11. Goodnight ladies
12. Hangin´g round (acoustic demo)
13. Perfect day (acoustic demo)

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252. Hugh Masekela – Home is Where the Music Is (1972)

El músico de jazz, Hugh Masekela, nació en 1939 en Wittbank, Sudáfrica. Empezó su carrera musical como miembro de la Huddleston Jazz Band, pero Trevor Huddleston fue deportado a causa de su posición abiertamente anti-apartheid. Masekela abandonó Sudáfrica en 1961. Su carrera despegó verdaderamente en EE.UU. Su mezcla de pop/jazz africano, tuvo tanto éxito que fundó su propio sello discográfico, Chisa, a mediados de los años sesenta. Colaboraría con artistas de la talla de Fela Kuti y Paul Simon. Esta grabación de inicios de los 70´s, es una muestra del más puro estilo de jazz, aún más que las grabaciones deMasekela de principios del decenio de los 80´s cuando hubo la mezcla de distintas cepas de África tribal o tradiciones culturales. Cuenta con varios temas compuestos por Caiphus Semenya, lo cual se ha convertido en habitual de Masekela.

1. Part Of A Whole
2. Minawa
3. The Big Apple
4. Unhome
5. Maseru
6. Inner Crisis
7. Blues For Huey
8. Nomali
9. Maesha
10. Ingoo Pow-Pow (Children’s Song)

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253. Milton Nascimento & Lo Borges – Clube da Esquina (1972)

Milton Nascimento , cantante, compositor y guitarrista brasileño. Su ámbito de interés musical es amplio y abarca la música popular brasileña, la samba, el pop, el rock, y la fusión musical con diversas tradiciones musicales internacionales.
En 1972 colaboró con compositores como Marcio Borges, Fernando Brant, Ronaldo Bastos y otros amigos para grabar Clube Da Esquina, un disco doble del que surgieron tres sencillos muy exitosos como “Cais (Dock)” y “Cravo e Canela”. Las canciones siguen siendo grabadas en la actualidad y se han convertido en estándares en Brasil. Desde que Milton empezó a grabar de forma independiente en 1967 para el sello Codil, ha escrito y grabado 28 discos.

1. Tudo Que Você Podia Ser
2. Cais
3. O Trem Azul (The Blue Train)
4. Saídas E Bandeiras No. 1
5. Nuvem Cigana (Gipsy Cloud)
6. Cravo É Canela
7. Dos Cruces
8. Um Girassol da Cor de Seu Cabelo
9. San Vicente
10. Estrelas
11. Clube da Esquina, No. 2
12. Paisagem da Janela
13. Me Deixa Em Paz
14. Os Povos
15. Saídas E Bandeiras No. 2
16. Um Gosto de Sol
17. Pelo Amor de Deus
18. Lilia
19. Trem de Doido
20. Nada Será Como Antes
21. Ao Que Vai Nascer

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254. Todd Rundgren – Something/Anything (1972)

Buen cantante, excelente compositor, gran pianista, interesantísimo ingeniero y productor, todo esto y además hace maravillas en la guitarra. Descubrimos uno de sus mejores trabajos de los 70`s , nos referimos a una de sus tantas obras maestras: Something/Anything
Todd es un músico norteamericano que se caracterizó en ser un incansable experimentador de las diferentes técnicas de grabación de instrumentos. Siempre tubo al alcance de sus manos toda la tecnología de punta para tales fines. Además es un gran músico bien rockero, de esos que aportan discos inteligentes. Compuso, entre otras cosas, el tema Influencia (Ifluenza) que luego grabaría Charly Garcìa en el disco homónimo.
Desde sus inicios con la banda Nazz, demostrò una inteligencia e intensidad creativa admirables, tanto como solista como también con su proyecto paralelo: la banda Utopia.
En este trabajo Todd abre un abanico de múltiples sonidos que recorren diferentes estilos rockeros. Todo esto dividido en cuatro partes, en las primeras tres toca todos los instrumentos. Descubrimos sus grandes composiciones como “I saw the light” (con pizcas de la naturalidad de la bossa-nova), la genial melodía a lo S. Wonder de “One More day (no word)” el salvajismo de “Little red Lights” y de “Black María”, la inspiradísima y creciente “Torch Song” o la nueva versión de la gigantesca “Hello it`s me” ya grabada en los tiempos de Nazz.
La cuarta parte es la parte ejecutada con banda. Comienza presentando sus raíces o influencias musicales. Se pasea por lindas baladas como “Dust in the Wind” o bien rockean en temas como “Some folks is even wither than me”.
El disco mas cotizado y el más largo de Rundgren que incluye éxitos de Rundgren como “Couldn’t I Just Tell You”, “I Saw The Light”, “Wolfman Jack” y su éxito más grande “Hello It’s Me” que alcanzo el lugar “5″ en el “Billboard Hot 100″. Este disco alcanzo el lugar 29 en el “Billboard 200″ durando en este lugar por tres años luego de su lanzamiento, después certificado como oro. En 2003 se posiciono en el lugar 173 en el listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Rundgren tocó todos los instrumentos en las grabaciones de este disco.

Disco 1:

1. I Saw the Light
2. It Wouldn’t Have Made Any Difference
3. Wolfman Jack
4. Cold Morning Light
5. It Takes Two to Tango (This Is for the Girls)
6. Sweeter Memories
7. Intro
8. Breathless
9. The Night the Carousel Burned Down
10.Saving Grace
11.Marlene
12.Song of the Viking
13.I Went to the Mirror

Disco 2:

1. Black Maria
2. One More Day (No Word)
3. Couldn’t I Just Tell You
4. Torch Song
5. Little Red Lights
6. Overture—My Roots: Money (That’s What I Want) / Messin’ with the Kid
7. Dust in the Wind
8. Piss Aaron
9. Hello It’s Me
10.Some Folks Is Even Whiter Than Me
11.You Left Me Sore
12.Slut

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255. Nitty Gritty Dirt Band – Will the Circle Be Unbroken (1972)

The Nitty Gritty Dirt Band se formó en el sur de California durante la primavera de 1966, como una joven banda desaliñada. Cuarenta y dos años más tarde, el cuarteto (Jeff Hanna, Jimmie Fadden, Bob Carpenter y John McEuen) sigue activo.
“Will the Circle Be Unbroken “ Es un álbum recopilatorio donde la Nitty Gritty Dirt Band, se reunen con un montón de amigos para tocar los grandes clásicos del country, como Randy Scruggs, Roy Huskey Jr., Jerry Douglas, Mark O’Connor, Chet Atkins, Sam Bush, Vassar Clements (a alguien le suena esta gente?), Bela Fleck, Bernie Leadon, John McEuen, Buck White, Roy Acuff, Paulette Carlson, The Carter Family, Johnny Cash (bueno, uno conocido), June Carter Cash, Rosanne Cash, John Denver, Emmylou Harris, Levon Helm, John Hiatt, Chris Hillman, Bruce Hornsby, Jimmy Martin, Roger McGuinn, Michael Martin Murphey, New Grass Revival, John Prine, Earl Scruggs y Ricky Skaggs.
El cambio radical en su suerte llegó con este su mágico Will the circle be unbroken”, que pronto vende 1 millón de copias, una obra que hoy en día sigue siendo pieza clave en la historia de la Música Country.

Disco 1
1. Grand Ole Opry Song (Hylo Brown) with Jimmy Martin
2. Keep on the Sunny Side (A.P. Carter, Gary Garett) with Maybelle Carter
3. Nashville Blues (Earl Scruggs)
4. You Are My Flower (A.P. Carter)
5. The Precious Jewel (Roy Acuff) with Roy Acuff
6. Dark as a Dungeon (Merle Travis) with Merle Travis
7. Tennessee Stud (Jimmie Driftwood) with Doc Watson
8. Black Mountain Rag (Traditional)
9. Wreck on the Highway (Dorothy Dixon) with Roy Acuff
10. The End of the World (Fred Rose)
11. I Saw the Light (Hank Williams) with Roy Acuff
12. Sunny Side of the Mountain (Byron Gregory, Harry McAuliffe)
13. Nine Pound Hammer (Merle Travis)
14. Honky Tonkin’ (Hank Williams)
15. You Don’t Know My Mind (Jimmie Skinner) with Jimmy Martin
16. My Walkin’ Shoes (Jimmy Martin, Paul Williams) with Jimmy Martin

Disco 2
1. Lonesome Fiddle Blues (Vassar Clements)
2. Cannonball Rag (Merle Travis) with Merle Travis
3. Avalanche (Millie Clements)
4. Flint Hill Special (Earl Scruggs)
5. Togary Mountain (Walter McEuen)
6. Earl’s Breakdown (Earl Scruggs)
7. Orange Blossom Special (Ervin T. Rouse) with Vassar Clements
8. Wabash Cannonball (A.P. Carter)
9. Lost Highway (Leon Payne)
10. Doc Watson & Merle Travis First Meeting (Dialogue)
11. Way Downtown (Traditional, Doc Watson) with Doc Watson
12. Down Yonder (Doc Watson) with Doc Watson
13. Pins and Needles (In My Heart) (Floyd Jenkins) with Roy Acuff
14. Honky Tonk Blues (Hank Williams)
15. Sailin’ on to Hawaii (Beecher Kirby) with Bashful Brother Oswald
16. I’m Thinking Tonight of My Blue Eyes (A.P. Carter)
17. I am a Pilgrim (Traditional)
18. Wildwood Flower (A.P. Carter) with Maybelle Carter
19. Soldier’s Joy (John McEuen, Earl Scruggs)
20. Will the Circle Be Unbroken (A.P. Carter)
21. Both Sides Now (Joni Mitchell) with Randy Scruggs

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256. Stevie Wonder – Talking Book (1972)

Es muy fácil hablar bien de un disco que contiene “Superstition”. También es fácil hablar de un disco que contiene “You Are The Sunshine Of My Life”. Si sabes que el autor y extraordinario intérprete de estas canciones es además productor y arreglista de las mismas, y se encarga de tocar prácticamente todos los instrumentos, es fácil también hablar de este autor. Quiero decir: es tan fácil hablar de Stevie Wonder y de “Talking Book”, que uno no sabe que decir.
“Talking Book” es el primero de los grandes discos de autor de Wonder, después de su declaración de independencia artística, que inauguraba su etapa de prodigiosa creatividad que le llevó a ser uno de los grandes creadores de los años setenta. La racha posterior de grandes obras, consolidó a Wonder como uno de los mayores genios de la música negra de todos los tiempos, un caso excepcional de niño prodigio convertido en maestro prematuro. Investigando con los incipientes sintetizadores se permitió el lujo de controlar casi todos los aspectos de su obra, mientras que progresivamente una conciencia social y política que iba a más, comenzaba a manifestarse en sus letras.
En esta ocasión el disco resulta mayoritariamente una romántica colección de canciones de amor y desamor dedicadas a Syreeta Wright, su mujer de entonces, y compañera de voces en la hermosa y rendida “You Are the Sunshine of My Life”. En “Talking Book” podemos disfrutar de una serie de baladas marca de la casa, algo saturadas de azúcares (“You and I (We Can Conquer the World)”, “Blame It on the Sun”, “Lookin’ for Another Pure Love”, que se acercan peligrosamente al empalago, pero que se salvan gracias a la visionaria brillantez de su producción y a las extraordinarias dotes vocales de un Wonder prodigioso. Como cumbre de esta faceta del disco el cierre y esperanzador broche de oro: “I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)”, preciosa y compleja balada con un estallido gospel tan febril que le hace a uno creer como Wonder entonces, que el amor carnal no sólo puede ser eterno, sino que también es una genuina vía de redención espiritual. Cuando fue escogida como cierre para los créditos finales de “Alta Fidelidad” hubo que rendirse sin condiciones ante la mano maestra con la que se escogió aquella banda sonora.
Por otro lado se percibe una incipiente vena social, que se manifestaría del todo en el siguiente álbum, entra de lleno en harina, denunciando la hipocresía de los políticos blancos recolectando votos en los barrios negros. Y en “Superstition”, Wonder sermonea sobre los peligros de las creencias irracionales. Sin embargo en este caso el mensaje sucumbe al medio: uno de los mejores singles de todos los tiempos y uno de los más prodigiosos “grooves” jamás construidos. A partir de un teclado (clavinet) utilizado como instrumento casi percusivo con unos arreglos de viento sensacionales, la infección de ritmo resulta inevitable. No en vano, Wonder había escrito el tema pensando en dárselo a Jeff Beck, pero el astuto Berry Gordy olfateó el “hit” y le ordenó grabarlo rápidamente y publicarlo a su nombre. Un número uno como aquél no se podía dejar pasar.
Así que más de treinta años después, aún la prodigiosa música de Wonder, tan repleta de colorido que parece una suerte de poliédrica visión alternativa a aquella de la que el propio Wonder carece, nos puede infectar de groove y hermosos sentimientos. Un álbum imprescindible en tu colección.

1. You Are the Sunshine of My Life
2. Maybe Your Baby
3. You and I
4. Tuesday Heartbreak
5. You’ve Got It Bad Girl
6. Superstition
7. Big Brother
8. Blame It on the Sun
9. Lookin’ For Another Pure Love
10. I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)

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257. Stephen Still – Manassas (1972)

Stephen Stills acompañado por un espectacular grupo de amigos y grabando uno de los discos más heterogéneos que jamás se hayan realizado.

Algunos acompañantes de lujo son Chris Hillman, ex Byrds y Flying Burrito Brothers; Al Perkins, miembro de los Flying Burrito Brothers y Shilo; el prestigioso batería Dallas Taylor, el no menos celebrado fiddle de Byron Berline, participante en los discos de Gram Parsons, Byrds, Flying Burrito Brothers o The Dillards. Incluso el bajista de los Rolling Stones Bill Wyman introduce su instrumento en algún tema. La intención de Stills era la creación de un supergrupo country-rock pero que tristemente sólo produjo un disco más, titulado “Down the road” (1973).
Su primer trabajo es este doble Lp, un impresionante recorrido por todos los ángulos de la música tradicional americana, temas acústicos y eléctricos que desarrollan sonidos blues, country, rock, pasajes latinos, rock’n'roll, folk o bluegrass en una sabia ejecución instrumental y vocal (las armonías de Hillman, contrapunto a la voz rota y cruda de Stills resultan admirables).
Dentro de tanta aglomeración de calidad, los temas más sobresalientes de esta obra maestra son “Song of love”, “Both of us (Bound to lose)”, “Fallen Eagle”, la sublime “So begins the task”, “It doesn’t matter (una joya escrita y cantada al alimón por Stills y Chris Hillman), “Johnny’s garden”, “Bound to fall”, “What to do” y “The Treasure”, un auténtico tesoro de canción.

1. Song of Love
2. Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass
3. Jet Set (Sigh)
4. Anyway
5. Both of Us (Bound to Lose)
6. Fallen Eagle
7. Jesus Gave Love Away For Free
8. Colorado
9. So Begins the Task
10. Hide It So Deep
11. Don’t Look at My Shadow
12. It Doesn’t Matter
13. Johnny’s Garden
14. Bound to Fall
15. How Far
16. Move Around
17. Love Gangster, The
18. What to Do
19. Right Now
20. Treasure, The - (take 1)
21. Blues Man

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258. T.Rex – Slider (1972)

La trémula voz de Bolan, los fantasmagóricos y ululantes apoyos vocales de Howard Kaylan y Mark Volman y el sabio manejo en la producción de Tony Visconti son algunos momentos álgidos de “The Slider”, la excelsa continuación a su obra maestra “Electric Warrior”.
El creador del glam-rock vuelve a presentar un puñado de magníficos temas que amalgaman energía rockera y mecanismo melódico fuertemente orquestado, pasajes de pujanza guitarrera con hipnóticas y cósmicas baladas (“Ballrooms of Mars” versionada por Radio Futura) y arrebatadores medios tiempos. La portada en la que aparece un Marc Bolan desenfocado es obra del “fotógrafo” Ringo Starr (el Beatle era un gran fan de la música de T. Rex además de ser un buen amigo de Bolan y director de un documental sobre la banda). En un disco redondo destacan himnos inmortales de Bolan como “Metal Guru” o “Telegram Sam”.

1. Metal Guru
2. Mystic Lady
3. Rock On
4. Slider, The
5. Baby Boomerang
6. Spaceball Ricochet
7. Buick McKane
8. Telegram Sam
9. Rabbit Fighter
10. Baby Strange
11. Ballrooms Of Mars
12. Chariot Choogle
13. Main Man

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259. David Ackles – American Gothic (1972)

La escasa obra (cuatro Lps) de David Ackles es una de las más desconocidas y por tanto infravaloradas de la música popular. Es una pena que un tipo de su talento se haya visto reducido a la peligrosa etiqueta de artista de culto que es tanto como decir reservada al disfrute de unos pocos.
American Gothic” concebido como un ciclo sobre la vida contemporánea en USA, está producido por Bernie Taupin y grabado en Inglaterra, lo que le dió una adecuada perspectiva de distancia sobre unos temas profundamente enraizados en el “American way of life” como el divorcio (Waiting for the Moving Van), la guerra de Vietnam (Ballad of the Ship of State), el racismo (Blues for Billie Whitecloud) o la prostitución (American Gothic).
Musicalmente se trata de una obra de gran riqueza en la que se oyen ecos tanto de compositores clásicos americanos como Ives y Copland como de las revistas musicales de Broadway de unos Rodgers, Gershwin o Cole Porter pero siempre manteniendo la estructura de canciones con unos arreglos extraordinarios que merecen punto y aparte.
No obstante, su joya de la corona es esta obra donde su imaginación y talento se ponen al servicio de las canciones. Por último, destacaría la épica “Montana Song” y sobre todo la bellisima “Love’s Enough”, para mí una de las mejores canciones del siglo XX. Descubrir este disco es hacerse uno mismo el mejor favor al que se puede aspirar.

1. American Gothic
2. Love’s Enough
3. Ballad of the Ship of State
4. One Night Stand
5. Oh, California!
6. Another Friday Night
7. Family Band
8. Midnight Carousel
9. Waiting For the Moving Van
10. Blues For Billy Whitecloud
11. Montana Song

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260. The Eagles – Eagles (1st Album) (1972)

The Eagles , banda de rock clásico estadounidense que se dio a conocer en origen en Los Ángeles, California a principios de los años 70. Inicialmente su música era un híbrido entre música country e instrumentación bluegrass injertadas en armonías del surfer rock californiano, y produciendo baladas sensibles y música ligera de aroma country y pop-rock con letras que hablaban de coches, relaciones y vidas sin rumbo. Los inventores de este género fueron cantautores dotados, entre ellos Gram Parsons, Jackson Browne, J.D. Souther, y Warren Zevon. Los Eagles encajaron el espíritu del cantautor en el marco de un grupo, con un marcado énfasis en los arreglos y en la maestría musical, y el sonido inicial del grupo llegó a ser sinónimo del country rock del sur de California. En álbumes posteriores el grupo prescindió de la instrumentación bluegrass y gravitó hacia un sonido claramente más rock. The Eagles debutaron en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. Del este primer álbum homónimo de Eagles se desprendió el primer sencillo “Take it easy”. Dando muestras de la magia que vendría a raudales en unos años más.

1. Take It Easy
2. Witchy Woman
3. Chug All Night
4. Most of Us Are Sad
5. Nightingale
6. Train Leaves Here This Morning
7. Take the Devil
8. Earlybird
9. Peaceful Easy Feeling
10. Tryin’

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261. Tim Buckley – Greetings from L.A. (1972)

Greetings from L.A. es un disco, muy apropiado, para introducirse en la obra de Tim Buckley, y que sin duda, el que no lo conozca, terminara por acceder a toda su discografía. Músico y compositor incasillable, folk, jazz, psicodelia, soul… y en su última etapa, el rock más tradicional, con influencias tan heterogéneas como Van Morrison, Byrd u otros marginados y malditos como Hank Willians o Fred Neil. La obra de Tim Buckley es corta pero intensa, con un sonido preciosista, evocador y con una voz muy especial, la cual, heredaría su hijo Jeff. Debuta en 1966, “Tim Buckey”, sorprendiendo a todos, dejando marcado las bases de lo que sería su música. Goodbye and Hello 1967 y Happy Sad son imprescindibles en la obra de Tim Buckley. En 1971 grava Starsailor, un disco enigmático, con la canción más conocida y versionada (Héroes del silencio solía abrir sus directos con este tema) en el repertorio de Buckley, “Song to the Siren”. En 1970 lanza “Blue Aftermoon” un ramillete de baladas lisérgicas y escalofriantes y “Lorca” dedicado al poeta Andaluz, para en 1972, este disco que tenemos entre manos, “Greetings from L.A.” y finalmente en plena decadencia y autodestrucción, que le llevaría a la muerte con tan solo veintiocho años, grava “Sefronia” 1973 y Look at the Fooll” 1974 . Su culto aumenta y su legado con el paso del tiempo se ha revalorizado, no es para menos… Tim Buckley se lo merece.

1. Move With Me
2. Get on Top
3. Sweet Surrender
4. Night Hawkin’
5. Devil Eyes
6. Hong Kong Bar
7. Make It Right

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262. Nick Drake – Pink Moon (1972)

Cuando Nick Drake entregó las cintas originales de “Pink Moon” en las oficinas de Island y las abandonó sin decir mucho más, en cierto modo estaba haciendo una declaración de principios. Grabado sin ningún músico de acompañamiento, con menos de media hora de duración, con un sonido espartano y simple, y unas canciones en la mayoría de las ocasiones tremendamente breves, vino a decir algo así como: “Es tan simple, yo hago una música hermosa que es imposible que no le guste a todo el mundo. ¿Cómo lo podéis hacer vosotros tan complicado?”. Les pedía que se limitasen a ponerlo a la venta y dejar que su indudable excelencia pusiera las cosas en su sitio, tras los fracasos comerciales de sus primeros dos discos. En realidad, no era tan simple entonces, y lo sigue sin ser ahora. Ese es uno de los temas recurrentes a propósito Drake: su gloriosa falta de realismo. Aunque algo menos de lo que parecía en un principio, pues es verdad que la calidad de su música ha puesto las cosas poco a poco en su sitio. Eso sí, mucho después de que Drake no pudiera seguir grabando más canciones.
Gracias a la desnudez de “Pink Moon” se puede disfrutar de la pureza de las cualidades de Drake como intérprete. Tanto en su delicada (que no frágil) y serena voz, como en los originales e intrincados dibujos de su guitarra acústica se puede apreciar una clase innata, una originalidad sin aspavientos, que se impone a las directrices de un género, el folk, que trasciende como lo hacen todos los grandes con el suyo. Sus canciones resaltan por sus tempos extraños pero nunca extravagantes (toda su música es de una estructura sólida como una roca), por la búsqueda de nuevas melodías mediante afinaciones alternativas de la guitarra y por un manejo sabio, pero siempre fresco, de su voz. Las cotas de belleza que era capaz de generar con tan escasos elementos son insuperables y sorprendentes.
Ésta es otra enorme tragedia añadida a la que supuso la absoluta ignorancia que sufrió en vida, y que paulatinamente ha ido remitiendo. Hasta convertirlo en uno de los escasos artistas de culto que, de verdad, responde a su fama sobrevenida, más allá de los tics revisionistas y esotéricos de críticos y esnobs del pop. Es verdad que mereció en vida un lugar entre los ilustres de su época. Pero muchos años después, por fin le ha sido concedido con todo merecimiento uno entre los más grandes de todos los tiempos.

1. Pink Moon
2. Place to Be
3. Road
4. Which Will
5. Horn
6. Things Behind the Sun
7. Know
8. Parasite
9. Free Ride
10. Harvest Breed
11. From the Morning

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263. Paul Simon – Paul Simon (1972)

El cantante y compositor Paul Simon nació en EE.UU. en 1941. Se convirtió en superestrella con el dúo de folk-rock Simon & Garfunkel, muy recordados por su canción “Bridge Over Troubled Water” (1970). Tras su separación, Simon inició una carrera en solitario que despegó con el lanzamiento en febrero de 1972 de su disco “Paul Simon”. En realidad no era su primer álbum en solitario ya que en 1965 había grabado el disco Paul Simon Song Book que se publicó únicamente en Gran Bretaña. Lo que si viene a ser, es el primer LP de Paul tras la ruptura del dúo, un disco heterogéneo en el que el autor toca muchos palos musicales distintos, tanto para marcar una diferencia con la etapa anterior como para tantear sus propias posibilidades y demostrar que era versátil. Así aparecen en el mismo el reggae, la música sudamericana, el blues, el jazz, el country y el calypso. Fue disco de oro, vendiendo más de 1 millón de copias y alcanzando el puesto 4 en las listas. Como singles se extrajeron los temas más destacados: Mother & Cild Reunion (puesto 4 en las listas); Me & Julio Down By The Schoolyard (puesto 22) y Duncan (puesto 52).

1. Mother and Child Reunion
2. Duncan
3. Everything Put Together Falls Apart
4. Run That Body Down
5. Armistice Day
6. Me and Julio Down by the Schoolyard
7. Peace Like a River
8. Papa Hobo
9. Hobo’s Blues
10. Paranoia Blues
11. Congratulations

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264. Roxy Music – Roxy Music (1972)

Formación de éxito liderada por un auténtico dandy del pop-rock, Bryan Ferry (nacido el 26 de septiembre de 1945 en Durham), la cual fue cambiando de estilo a medida que iba avanzando su trayectoria, del art-rock al glam, del rock al pop con elementos soul y electrónicos.
Iniciaron sus pasos musicales en 1971 cuando a Ferry , estudiante de arte se le unieron el bajista Graham Simpson, el saxo Andy Mackay, Brian Eno (nacido el 15 de mayo de 1948 en Suffolk) a los teclados, el guitarrista Davy O’List -ex-The Nice- y el batería Paul Thompson (brevemente estuvieron el guitarrista Roger Bunn y el percusionista Dexter Lloyd). El guitarra Phil Manzanera, uno de sus componentes más afamados se incorporaría un año más tarde sustituyendo a O’List.
“Roxy Music” su primer trabajo para Islands producido por Peter Sinfield supuso un gran e inesperado triunfo comercial, que los llevo hasta el puesto número 10 de las listas. En este disco mezclan la música más pop con la vanguardia y el rock. Muchos efectos de sintetizadores y máquinas por Eno y la guitarra ruidosa de Manzanera, más clarinete y la titilante voz de Ferry hacen de este un buen disco, glam, taquilla y alternativo.

1. Re-Make/Re-Model
2. Ladytron
3. If There Is Something
4. Virginia Plain
5. 2 H.B.
6. Bob, The (Medley)
7. Chance Meeting
8. Would You Believe?
9. Sea Breezes
10. Bitters End

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265. Alice Cooper – School’s Out (1972)

Después de “Love It To Death” y “Killer”, Alice Cooper publicaron “School’s Out”, un LP con una serie de impresiones y remembranzas escolares de Cooper marcadas por la ironía y el deje teatral tan característico del grupo.
El disco, producido por Bob Ezrin, se inicia con el clásico “School’s Out”, una valiosa pieza rock garajero de base blues y afilado riff de Glenn Buxton con soflama de exaltación libertaria juvenil tras el fin del curso escolar. Todo un himno del adolescente harto de los libros y los profesores.
“Gutter Cats vs. The Jets” es un ambicioso tema glam-rock que revisita en clave jocosa el musical “West Side Story”, basado en el enfrentamiento entre pandillas de diferente procedencia. De compleja estructura y prominencia de los teclados del propio productor Boz Ezrin, es uno de los cortes más interesantes del LP.
Después del instrumental “Street Fight” aparece “Blue Turk”, un gozoso tema que podría ser escrito para un número musical de Broadway. De esencia jazzística y realce sonoro de los saxos y trompetas, podría estar interpretado por el mismísimo Frank Sinatra.
“My Stars” es una pieza rock de cierta intensidad y un piano contagioso pero en general carece de trascendencia lírica e instrumental.
“Public Animal #9” es un vibrante tema a lo Rolling Stones de comienzos de los 70 en el cual se subraya la rebeldía adolescente siempre desde un agradecido sentido del humor.
“Alma Mater”, fantástica balada con ecos de Paul McCartney escrita por el batería Neal Smith, es uno de los mejores cortes del álbum. Retoman la psicodelia con la distorsión vocal, introducen armonías vocales y se ponen nostálgicos sin perder la ironía.
El disco se cierra con el instrumental “Grand Finale”, pieza que recupera la sección de viento, la cual en comunión con la cuerda y los demás instrumentos consigue crear una densa y épica atmósfera, realmente atractiva.
School’s Out llego a estar en el puesto 7 en el Billboard Hot 100, en el puesto 2 en el Billboard 200 y en el puesto 1 en el UK Singles Chart durante las tres semanas en agosto de 1972.

1. School’s Out
2. Alma Mater
3. Blue Turk
4. Grande Finale
5. Gutter Cat Vs. the Jets
6. Luney Tune
7. My Stars
8. Public Animal #9
9. Grande Finale

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266. The Temptations – All Directions (1972)

Hay mucha confusión sobre diversos detalles de la génesis del grupo, aunque la mayoría de las versiones coinciden en los sustancial. Los componentes de The Temptations en el momento de la grabación del disco eran: Dennis Edwards , Damon Harris, Richard Street, Melvin Franklin y Otis Williams.
Este álbum era el segundo que editaban en 1972, tras “Solid Rock”, el cual incluía una versión de Bill Whiters “Ain’t no sunshine” y el hit “Superstar” y “The end of the road”.
“All directions” se editó el 27 de julio de 1972, bajo la producción de Norma Whitfield, y con la instrumentación de la banda asidua de Motown, the Funk Brothers. En poco más de 30 minutos de álbum consiguieron dar brillo nuevamente a su carrera, tras el poco éxito de su trabajo anterior.
Este álbum es el último de The Temptations en el que Barrett Strong trabaja como compositor, ya que muy poco después abandonó Motown para reemprender su carrera como solista. El disco está cargado de carga social y política, con temas que demuestran el “black power”, como “Papa Was a Rollin’ Stone” o “Run Charlie Run”. En el disco, quien menos aparece es Otis Williams, el cual solo interviene en dos de los temas; además él y Melvin Franklin son los únicos que no cuentan con un tema en solitario. con este álbum “All directions”, se confirmaría una vez más a la banda como uno de los grandes gigantes del soul.

1. Funky Music Sho’ Nuff Turns Me On
2. Run Charlie Run
3. Papa Was a Rollin’ Stone
4. Love Woke Me up This Morning
5. I Ain’t Got Nothing
6. First Time Ever I Saw Your Face
7. Mother Nature
8. Do Your Thing

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267. David Bowie – Rise & Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)

Una trayectoria tan extensa y sorprendente como la del camaleónico David Bowie ha conocido etapas muy diferentes, las cuales muestran el talento creativo y desarrollo imaginario de un artista en continua evolución y experimentación sonora.
Quizás de entre todas esas etapas la que más popularidad y reconocimiento le ha otorgado sea el periodo como estrella del glam-rock, influyente movimiento musical y estético del que Bowie se convirtió en su más relevante intérprete y en el que se introdujo atraído por la música del grupo de su amigo Marc Bolan, líder del grupo T. Rex.
Dentro de esa fase se encuadra “The rise and fall of Ziggy Stardust”, probablemente la obra cumbre de su carrera y una de las cimas del estilo británico, en donde encontramos una espectacular exhibición lírica y melódica en interpretaciones cargadas de intensa emotividad, atmosférica imaginería y riqueza descriptiva, beneficiadas por las aptitudes instrumentales del pianista Rick Wakeman y el guitarrista Mick Ronson, pieza clave en el sonido del disco.
El álbum gira en torno a la figura de Ziggy Stardust, sugerente alien de ambigua sexualidad y ansias de rock star, introductor y protagonista de la sensual y galáctica materia con destino apocalíptico, desarrollado en gemas como “Moonage Daydream”, “Ziggy Stardust”, “Rock’n'roll suicide”, la climática “Five years”, las espaciales baladas “Soul love” y “Lady stardust”, el sublime estribillo de “Starman” y el frenético ritmo de “Star”, “Hang on to yourself” y “Suffragette city”, temas en los que el toque glam resulta más palpable.
Fue el disco con el que el artista consiguió llegar a las grandes audiencias y está considerado uno de los mejores álbumes de su carrera y el más representativo del glam rock. También ha sido incluido en la mayoría de las listas de los mejores discos de la historia del rock que elabora la prensa especializada y ha influido a numerosos grupos y artistas desde que se publicó.
Para algunos el mejor disco del siglo XX, no se puede escapar de entre los discos más importantes jamás creados, la obra cumbre del glam de Bowie. Es oro de esos discos conceptuales de los 70, en los que se cuenta una historia, y en el que cada canción se asimila a un capítulo de un libro.

1. Five Years
2. Soul Love
3. Moonage Daydream
4. Starman
5. It Ain’t Easy
6. Lady Stardust
7. Star
8. Hang on to Yourself
9. Ziggy Stardust
10. Suffragette City
11. Rock ‘N’ Roll Suicide

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268. War – World is a Ghetto (1972)

La noche antes de su muerte, Jimi Hendrix tocó en directo, secundado por una incendiaria banda californiana que acompañaba al cantante británico Eric Burdon. Dos años después, ya sin Burdon en su formación, War publicaban en el sello United Artists The world is a ghetto, su primera obra maestra y una de las referencias imprescindibles de la encrucijada soul/funk/black rock.
Como Mandrill y Santana, aunque más arrimados a la escuela del funk callejero, War enarbolaron la bandera del rock negro y chicano de la Costa Oeste con discos como All day music, The world is a ghetto, Live, Why can’t we be friends? o Platinum jazz, la clase de sonidos que uno espera escuchar al ver el dibujo de portada de este álbum magistral: seis músicos negros y uno blanco (el armonicista y percusionista danés Lee Oskar) liderados por el gran Lonnie Jordan, traduciendo el pálpito de los suburbios de Los Ángeles al lenguaje del rock negro, el mismo trabajo desarrollado en otras latitudes por The Isley Brothers, The Ohio Players y Funkadelic. No hay puntos muertos ni respiros en The world is a ghetto, ni siquiera en los temas más cercanos al jazz latino (“Beetles in the bog”, con su aire de marcha, y el sensacional “City, country, city”, un instrumental proteico escrito originalmente para la película Nigger Charlie), pero sí hay dos piezas sobresalientes, tanto por su repercusión comercial inmediata (Top 2 y 7 respectivamente en las listas de pop) como por su extraordinaria fuerza: “Cisco Kid”, una parábola colorista y mestiza dedicada a un héroe televisivo mexicano, famoso en los años 50; y “The world is a ghetto”, impresionante mosaico multicultural en clave de funk/jazz latino, con un estribillo coral estremecedor y un extraño olor a desolación y a miseria sin salida.

1. The Cisco Kid
2. Where Was You At
3. City, Country, City
4. Four Cornered Room
5. World Is a Ghetto, The
6. Beetles in the Bog

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269. Al Green – Let’s Stay Together (1972)

Al Green, como otros muchos, es un cantante de soul surgido del gospel. Pero, tal vez, sea el único comparable a Sam Cooke por su elegancia vocal y su atractivo personal. En este disco, el cuarto de su carrera, nos lleva al éxtasis con su voz angelical, acariciando las melodías con susurros, conteniendo toda su energía, dosificando los sentimientos y dando a las canciones un aire de voluptuosidad impresionante. Las guitarras y la sección de vientos completan el aderezo necesario para hacer de este álbum una grata recomendación.
Alcanzando su apogeo con este Let’s Stay Together en 1972,, con la canción que le daba título, alcanzó el nº 1 en las listas del Billboard, aunque el resto del disco tampoco dejan de ser grandes temas.

1. Let’s Stay Together
2. La-La For You
3. So You’re Leaving
4. What is This Feeling?
5. Old Time Lovin’
6. I’ve Never Found a Girl (Who Loves Me Like You Do)
7. How Can You Mend a Broken Heart?
8. Judy
9. It Ain’t No Fun To Me

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270. Rolling Stones – Exile on Main St (1972)

Los Stones encumbrados en lo más alto y atravesando por una de sus etapas de mayor profusión creativa publican este magistral trabajo, una jubilosa amalgama de rock, country (profundizando en este estilo gracias a la amistad de Keith Richards con Gram Parsons), blues y gospel, que proporciona sublimes instantáneas sónicas apoyadas por la descarnada producción de Jimmy Miller y que, como suele pasar con muchos discos trascendentes, se aborrecen en la primera escucha y se aman al límite en sucesivas escuchas, convirtiéndose en el favorito del grupo y en el más influyente de su carrera.
Vibrantes, densas y desaseadas piezas de rock’n’roll enraizadas en los sonidos tradicionales americanos como la soberbia Rocks off”, “Rip this joint”, el single “Tumbling dice”, “Sweet Virginia” (memorable armónica de Jagger y colaboración no acreditada del mismísimo Parsons), la acústica “Sweet Black Angel” (con el productor Jimmy Miller a la percusión), una retozona pieza cantada por Keith Richards llamada “Happy”, la extraordinaria balada “Let it loose” (con un notable acompañamiento vocal), “Ventilator blues”, “All down the line”, el regusto blues de “Stop breaking down” o la espléndida “Shine a light”, dejan constancia de la gran versatilidad y estatura como compositores y músicos de los Rolling Stones, destacando el memorable duelo guitarrero entre Keith Richards y Mick Taylor.
El quinteto se encuentra acompañado por nombres esenciales en sus formas sonoras como sus habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins, Bobby Keyes, Billy Preston o Jim Price, quienes en jubilosa sinergia con los protagonistas principales crean una imperecedera e imprescindible obra maestra, uno de las cúspides de la historia del rock.
Considerado uno de los mejores trabajos realizados por el grupo, la crítica lo coloca como el mejor, y uno de los discos más importantes de la historia del rock. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 7 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

1. Rocks Off
2. Rip This Joint
3. Shake Your Hips
4. Casino Boogie
5. Tumbling Dice
6. Sweet Virginia
7. Torn and Frayed
8. Sweet Black Angel
9. Loving Cup
10. Happy
11. Turd On the Run
12. Ventilator Blues
13. I Just Want To See His Face
14. Let It Loose
15. All Down the Line
16. Stop Breaking Down
17. Shine a Light
18. Soul Survivor

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271. Lynyrd Skynyrd – Pronounced Leh-nerd Skin-nerd (1973)

Junto a la Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd es el grupo más importante que ha conocido el rock sureño, un estilo musical basado en la emulsión de blues-rock, country, boogie, honky tonk y rock’n'roll, y en una apostura personal que subraya sus raíces telúricas-confederadas, de finalidad reinvidicativa y lúdica. Las primeras semillas de Lynyrd Skynyrd fueron diseminadas a mitad de la década de los 60, cuando un grupo de estudiantes de Jacksonville, ciudad del estado de Florida, decidieron formar una banda a la que llamaron My Backyard.
Con posterioridad, poco conformes con su nombre, se fueron denominando The Noble Five, Wild Cats, Sons of Satan, Once Percent, Conqueror Worm y finalmente Lynyrd Skynyrd, nombre tomado de su profesor de gimnasia en el instituto, un tipo malhumorado llamado Leonard Skinner.
El grupo estaba compuesto por el cantante y guitarrista Ronnie VanZant, los guitarristas Allen Collins y Gary Rossington, el bajista Leon Wilkeson (que sustituyó a Larry Junstrom), el teclista Billy Powell, y el batería Bob Burns.
Tras patearse los locales de varios estados sureños, consiguieron llamar la atención de Al Kooper, el ex miembro de Blood, Sweat & Tears que después de contemplar un concierto del grupo en el club Funocchio’s de Atlanta, les propuso firmar un contrato discográfico con la MCA.
Poco antes de su incorporación a la MCA se les unió otro guitarrista, Ed King, un antiguo componente de la banda psicodélica Strawberry Alarm Clock.
El talento del vocalista Ronnie VanZant en la composición, con textos urdidos en su autoafirmación redneck en los que había cabida para el humor, la nostalgia, la algazara o el sentimiento, y el triplete de guitarristas conformado por Ed King con su Fender Stratocaster, Allen Collins con su Gibson Firebird, y Gary Rossington con su Gibson Les Paul, fueron los cimientos básicos de su primer LP, “Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd” , una obra maestra del rock sureño producida por el propio Al Kooper.
Entre sus ocho temas destacan cortes como “Gimme three steps”, “Tuesday’s gone” y “Freebird”, una pieza compuesta en homenaje al guitarrista fallecido de los Allman Brothers, Duane Allman, que se convirtió en uno de los grandes clásicos del grupo de Florida.
El 20 de octubre de, Ronnie VanZant, Steve Gaines, Cassie Gaines y el manager Din Kilpatrick fallecían tras un accidente aéreo cuando el grupo volaba desde Greenville hacia Baton Rouge. Los demás miembros del grupo resultaron heridos, pero finalmente se recuperaron. Este golpe fue definitivo para la disolución de la banda, pues sin su alma mater compositivo no tendría sentido continuar la trayectoria musical como Lynyrd Skynyrd. Al conmemorarse los diez años del trágico accidente que puso punto y final a la banda, Gary Rossington, Ed King, Leon Wilkeson y Billy Powell volvieron a girar con el nombre de Lynyrd Skynyrd Tribute Tour, incorporándose a la banda el hermano menor de Ronnie, Johnny VanZant y un tercer guitarrista llamado Randall Hall.

1.I Ain’t the One
2.Tuesday’s Gone
3.Gimme Three Steps
4.Simple Man
5.Things Goin’ On
6.Mississippi Kid
7.Poison Whiskey
8.Free Bird

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272. Incredible Bongo Band – Bongo Rock (1973)

Incredible Bongo Band es un proyecto iniciado por Michael Viner en 1972 y que consiste en interpretar varios temas ya reconocidos pero básicamente utilizando primordialmente percusiones, congas, bongos, etc. The Incredible Bongo Band, la banda instrumental de Michael Viner sólo editó dos discos, Bongo Rock en el 73 y Return Of The Incredible Bongo Band, un año más tarde. Su sonido es característico por el protagonismo de las percusiones, bongos y congas. Entre sus músicos destacan; el batería del grupo, Jim Gordon, uno de los mejores músicos de sesión de la época, y King Errison, el culpable de que los bongos suenen así de mágicos.
A pesar de su corta carrera, la banda dejó huella gracias a la versión de “Apache“, original de The Shadows, que hoy es como un himno del Hip Hop. Primero versionó Apache Sugarhill Gang (la versión que bailaban Carlton y Will en El Principe de Bel-Air), y los primeros en samplear Apache fueron los pioneros Kool Herc y Grandmaster Flash. Desde entonces muchísimos productores han incluido algún sample del tema en sus instrumentales.
Aquí se puede escuchar desde el clásico “In-A-Gadda-Da-Vida” de Iron Butterfly, “Apache” de los Shadows, “Let There Be Drums” de Sandy Nelson. Muy buen disco que también incluye saxofones, teclados y hasta sirve de base para el hip hop.

1. Let There Be Drums
2. Apache
3. Bongolia
4. Last Bongo In Belgium
5. Dueling Bongos
6. In-A-Gadda-Da-Vida
7. Raunchy ’73
8. Bongo Rock

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273. David Bowie – Aladdin Sane (1973)

El disco que continuó a su exitoso “Ziggy Stardust” fue otra gran obra de un David Bowie en plena explosión glam, que aunque no incidió en el diseño conceptual de su pretérito trabajo, sí volvió a ambientar sus cortes en un mundo decadente y de ambigua caracterización, teatralidad en su esencia artística, y sobre todo, hedonismo y evasión sexual.
El LP acomoda piezas rock de espíritu stoniano con ritmos efervescentes, sensualismo en su vocalidad y estribillos pegadizos, ensanchando sus posturas glam con retazos blues, jazz, avant-gardé y doo wop.
“Aladdin Sane” se abre con “Watch that man”, un corte rock al más puro estilo Rolling Stones, con una vívida interacción entre la punzante guitarra de Mick Ronson, los saxos de Bowie y Ken Fordham, y el piano de Mike Garson, virtuoso instrumentista que brilla a lo largo de todo el álbum, en especial en el título homónimo, una sugerente balada de fascinante estribillo y estructura, con elementos jazz.
“Drive in Saturday” es una de los temas más famosos del disco y una preciosa canción escrita en principio para Mott The Hoople que recupera sonidos de finales de la década de los 50 y comienzos de los 60, empleando efectivos coros de reminiscencias doo wop.
“Panic in Detroit” viene marcada por un magnífico trabajo en la percusión de Mick Woodmansey y una interesante lírica de miramiento social sobre unos iterativos ritmos rock a lo Bo Diddley.
Dos de las cumbres del disco son “Cracked actor”, estimulante tema rock de irresistible estribillo, y “Time”, dramática pieza cabaretera.
“The Prettiest Star” es una sencilla y elegante canción dedicada a su esposa Angie, con un soberbio saxo acariciando la melodía y de nuevo coros de herencia doo wop.
La versión de los Stones “Let’s spend the night together” es el corte más flojo del LP, a pesar de ser ejecutado con intensidad y fuerza, y ofertar unos curiosos arreglos futuristas. Esta última canción es el preludio de las dos últimas y magníficas piezas disco.
“The Jean Genie”, vibrante tema blues-rock con un riff idéntico al “Blockbuster” de The Sweet, y la maravillosa tonada “Lady Grinning Soul”, canción de estupenda melodía con Garson a un piano clásico, un Ronson espléndido en su interpretación guitarrera, y un Bowie hipnótico en su sensual interpretación vocal.
Fue una de los seis entradas de Bowie en la lista de Rolling Stone de los mejores álbumes de todos los tiempos (aparecía en la posición 277) y se situó en el puesto 77 en la lista de Pitchfork Media de los mejores cien discos de los años 70.

1 Watch That Man
2 Aladdin Sane
3 Drive In Saturday
4 Panic In Detroit
5 Cracked Actor
6 Time
7 The Prettiest Star
8 Let’s Spend The Night Together
9 The Jean Genie
10 Lady Grinning Soul

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274. King Crimson – Lark’s Tongues in Aspic (1973)

“Lark’s Tongues in Aspic” . Posiblemente el disco perfecto de King Crimson. Este contiene en su nucleo el formato de músicos más memorable de la agrupación. Bill Bruford en la batería y John Wetton en el bajo junto a David Cross, Jamie Muir Y Fripp logran producir la más infame pieza (dividida en 4 partes que luego seguirán surgiendo con el tiempo) de rock progresivo que jamás he escuchado. Los acordes en el comienzo de Lark’s Tongues... evocan las más extravagantes piezas de Igor Stravinsky y hasta Mussorgsky. Carece de la potencia tonal del disco “Red” del año siguente pero es el único disco de esta agrupación que lleva una genuina concordáncia de disco conceptual. Escuchar este disco es como salir de safari por un terreno ondulado, espinoso, lleno de pendientes frenéticas. Bien podría decirse que estamos ante la versión postmoderna de la “Divina Comedia”: FRIPP y compañía, como modernos Virgilios, nos tienden la mano y nos sirven de guía en la experimentación de este enorme catálogo de antonimias, de dualidades. Hay de todo aquí: hay soledad y hay abandono, hay cinismo y hay furia; hay momentos reflexivos y hay momentos violentos. Hay de todo, pero nada es gratuito. Aquí tenemos la versión de un King Crimson nuevo, revitalizado, vuelto hacia adentro, egoísta, autocomplaciente. Como debe ser.
Aquí tenemos la versión de un Crimson que tiene el coraje de reinventarse desde su propia esencia, de seguir siendo el mismo siendo otro. Aquí tenemos un disco sin concesiones ni respiros. Música que oscila entre la violencia y la sutileza. Música que ocupa no solo todo el espacio, sino toda la mente, y que - al final - nos devuelve a un mundo muy distinto al de antes. Esta no es una experiencia sonora, es una experiencia onírica. Un pequeño viaje a las profundidades del averno. Invitado estás, compañero.

1. Larks’ Tongues in Aspic, Pt. 1
2. Book of Saturday
3. Exiles
4. Easy Money
5. Talking Drum
6. Larks’ Tongues in Aspic, Pt. 2

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275. Bob Marley & the Wailers – Catch a Fire (1973)

Si hubiera que elegir un disco de reggae para mostrarle a alguien ajeno al género, Catch a Fire sería una excelente elección. No sólo porque sus canciones son prácticamente invencibles, también por el hecho de que fue uno de los primeros discos de este estilo en obtener una repercusión a nivel internacional, esto es; fuera de la isla de Jamaica.
De algún modo, Catch a Fire es el patrón con el que están hechos todos los discos de Marley; las temáticas se reparten en tres o cuatro grupos principales: están las canciones de amor, tanto a nivel individual como universal, las de neto corte “combativo”, con diatribas dirigidas a los organismos -e individuos- ostentando el poder de turno, y también las odas a la ganja y a la religión (dos aliados indisociables en la cultura rastafari).
“Concrete Jungle” revela con una metáfora muy simple- la vida en las ciudades y su interminable desfile de injusticias y ridiculeces y es una de las canciones emblema de este trabajo, está ubicada en primer lugar y siguió apareciendo esporádicamente en los shows en vivo, incluso en el pico de la fama internacional de los Wailers, a fines de la década.
“Stir It Up” es el hit, el que todo el mundo conoce, aquel que es capaz de hacer bailar con una sonrisa al mas reacio. Una de las facetas más pasadas por alto en la lírica de Marley, la libidinosa, siempre presente, manejada con sutileza y administrada en sabias dosis.
Catch a Fire tiene una importancia histórica muy difícil de evaluar o calcular, lo cierto es que convirtió a Marley en una verdadera estrella internacional proveniente de un país subdesarrollado, que pavimentó el camino para la carrera solista de Peter Tosh e hizo que los músicos de rock angloparlante se detuvieran un segundo a prestar atención al increíble sonido dulzón del reggae de Bob Marley & the Wailers.

1. Concrete Jungle
2. Slave Driver
3. 400 Years
4. Stop That Train
5. Baby We’ve Got A Date (Rock It Baby)
6. Stir It Up
7. Kinky Reggae
8. No More Trouble
9. Midnight Ravers
10. High Tide Or Low Tide
11. All Day All Night

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